eye

una de las casas mas famosas del mundo

arquitecto: FRANK LLOYD WRIGHT
paconserve.org/fw-building.asp

Fallingwater, also known as the Edgar J. Kaufmann Sr. Residence, is a house designed by American architect Frank Lloyd Wright in 1935 in rural southwestern Pennsylvania, 50 miles southeast of Pittsburgh, and is part of the Pittsburgh Metro Area. The house was built partly over a waterfall in Bear Run at Rural Route 1 in the Mill Run section of Stewart Township, Fayette County, Pennsylvania, in the Laurel Highlands of the Allegheny Mountains.

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arquitectura en siberia....en 2009

Yakutsk‚ en Siberia‚ tiene uno de los niveles de oscilación de temperaturas entre estaciones más altos de la Tierra. Es posible que se produzca una diferencia de casi 60º centígrados entre las temperaturas hibernales y las estivales: mientras que la temperatura media del mes de enero se sitúa bajo los -41ºC –una de las más frías del planeta-‚ en verano pueden registrarse temperaturas superiores a los 30ºC. Yakutsk‚ capital de la República de Sakha‚ es asimismo la mayor ciudad del mundo construida sobre permafrost -la capa de hielo permanentemente congelada en los niveles superficiales del suelo en las regiones periglaciares y el hábitat natural en el que se han hallado conservados restos de mamuts. Esta extrema especificidad impuesta las condiciones climáticas y geológicas constituye el desafío al que se enfrenta Thomas Leeser‚ el arquitecto responsable del nuevo edificio que acogerá Museo y Centro de Investigación Mundial del Mamut y el Permafrost y que se levantará en 2009 a los pies de la colina Tchoutchour Mouran‚ en la zona oeste de la capital.Leeser‚ ganador del concurso internacional convocado para este proyecto‚ ha concebido un edificio que plantea un programa interior donde se hibridan eficientemente las funciones de un museo público y de un centro científico de investigación y cuya estructura debe ser capaz de adaptarse a las extremas condiciones climáticas y no perjudicar el permafrost sobre el que estará construido. Con este objeto‚ Leeser ha diseñado un volumen que se levanta seis metros sobre el nivel del suelo‚ sosteniéndose en una serie de pilares en forma cónica‚ que reducen la transmisión de calor por contacto del edificio a la termalmente sensible superficie del suelo‚ evitando la posibilidad de que éste se resquebraje. Para diseñar la estructura del edificio‚ Leeser ha buscado adaptarse a las condiciones del emplazamiento geográfico‚ de manera que el volumen en forma de caja se eleva en el punto en el que se encuentra con la línea de ascenso de la colina.
El edificio estará recubierto por una piel concebida como una serie de formas geométricas‚ principalmente triangulares‚ que aluden a la variedad de efectos cambiantes del permafrost a lo largo de sus ciclos. La cualidad translúcida de este recubrimiento‚ elaborado con una doble capa de cristal super-aislante‚ rellenándolo con un material aislante semitranslúcido que actúa a la vez como aislante térmico‚ permitirá una elevada penetración de luz natural que revertirá en el ahorro energético. Igualmente‚ en la superficie de la cubierta‚ se han instalado diferentes conos que actuarán como lucernarios para captar la luz solar‚ alterarían el impacto eólico sobre el edificio y estarían equipados con monitores que atravesarían la nieve acumulada con objeto de permitir el paso de la luz natural y evitar la pérdida de calor interno. Un sistema de iluminación artificial‚ reguladores térmicos y sistemas de ventilación completarían el complejo sistema de abastecimiento energético de este edificio que Leeser tiene como objetivo hacer depender al mínimo de la red eléctrica.
La arquitectura de Thomas Leeser‚ que ha sido cercano colaborador de Peter Eisenman y ha desarrollado su concepción arquitectónica inmerso en la indagación de una reformulación arquitectónica a través del pensamiento y las herramientas digitales‚ plantea una reconceptualización del edificio: en sus planteamientos deja de ser concebido como máquina mecánica para pasar a ser comprendida como un organismo cibernético.
El edificio contendrá tres niveles‚ en un espacio organizado por escaleras de acero y dos grandes columnas de hormigón. El museo y sus zonas de servicio se situarán en el nivel superior. Éste se hallará conectado a un circuito cerrado‚ que aunque mostrará parcialmente el trabajo de investigación que los científicos llevarán a cabo en los niveles inferiores del edificio evitará la interferencia del público con ellos‚ y que les conducirá hasta las galerías subterráneas‚ bajo el permafrost‚ donde se exhibirá con grandes precauciones el fósil completo de un mamut lanudo recientemente descubierto en la zona.
Dos amplios jardines crearán entornos interiores con dos finalidades: por un lado‚ incrementar la calidad estética y psicológica del espacio del edificio -especialmente para los investigadores‚ que tendrán acceso a ellos- ya que permiten una relación con los elementos vivos de la naturaleza a lo largo del año en este lugar donde el paisaje de los meses hibernales es desolado; y por otro‚ usar el musgo y la vegetación autóctona de Siberia para depurar el aire y contribuir a la regulación de la humedad en el interior del edificio.
La arquitectura de Leeser es un referente para examinar las adaptaciones de la arquitectura al entorno tecnológico contemporáneo y con este proyecto demuestra cómo este estadio tecnológico permitirá la construcción de edificios en condiciones altamente complejas. Leeser se distingue de las aproximaciones de muchos de sus coetáne

eye lo descubrió en noviembre de 2007

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casa en peligro del gran rudofsky

Luis Fernández-Galiano, 2007

Bernard Rudofsky quiso ser espartano y sibarita. El arquitecto vienés está hoy casi olvidado, pero su empeño en reconciliar laconismo y sensualidad es más pertinente que nunca. En un planeta consciente de sus límites físicos, la voluntad de hacer compatible la reducción del consumo con la multiplicación del placer es la piedra angular de un programa político que sea al mismo tiempo un proyecto vital.

Fernando Savater asegura que la felicidad reside en reunir unos gustos sencillos con una mente complicada, y es posible que esa conjunción de austeridad y refinamiento no ande muy lejos de la propuesta de Rudofsky, propagandista tenaz de la necesidad de conciliar disciplina y hedonismo, dos polos de referencia que imaginó ejemplarmente materializados en la arquitectura japonesa y en la mediterránea.

Esos universos formales y sensoriales inspiran el conjunto de una obra que se extiende desde el diseño de moda hasta la crítica de la vida cotidiana, y que este verano se recuerda con una exposición en Montreal mostrada antes en Viena como fruto tardío del centenario de Rudofsky en 2005.

Lo mismo que su contemporáneo Bruno Taut, admirador devoto de la elegancia exacta de la casa japonesa, Rudofsky halló en la construcción vernácula y en los rituales domésticos de Japón manifestaciones rigurosas de la ética del despojamiento y la estética de la sensualidad que juzgaba inherentes a la sabiduría vital, y no muy diferente fue su percepción de las arquitecturas autóctonas y de la indumentaria tradicional del mundo mediterráneo, de la casa-patio a las túnicas o las sandalias, expresiones todas de una relajada joie de vivre, tan escueta en sus medios como inagotable en sus encantos.

En 1938 escribió su primer artículo, bajo el lema “lo que hace falta no es una nueva forma de construir, sino una nueva forma de vivir”, y medio siglo después volvió a utilizar esa frase programática como subtítulo de su última exposición, Sparta / Sybaris, que se inauguró en su ciudad de origen un año antes de su desaparición en 1988, y donde el baño colectivo, el retrete de meditación o los futones nocturnos japoneses se fundían con las referencias míticas del Mediterráneo.

Fue precisamente cerca de este mar donde entre 1969 y 1971 levantó su última obra, una casa entre olivos en la malagueña Frigiliana, no lejos de Nerja, que habitaría con su mujer Berta durante los veranos de las dos décadas finales de su vida.

Construida con sobria naturalidad sobre una cresta a tres kilómetros de la costa, y desplegada en el terreno con pérgolas y porches, la que llamó La Casa carecía de teléfono, radio o televisión, pero a cambio albergaba obras de una pléyade de amigos artistas y arquitectos, desde Calder o Christo hasta los Eames o Le Corbusier. “La hice pensando en el verano”, escribía Rudofsky al escultor Isamu Noguchi, y es en efecto en el tiempo detenido del estío cuando la casa expresa mejor su condición de manifiesto por una vida lenta y placentera, huérfana de los triclinios o los tatamis de sus exposiciones más exóticamente provocativas, pero no menos seductora en su defensa distraída de una existencia epicúrea, tan exigente en la búsqueda de una simplicidad esencial como amable en el disfrute de los placeres de la piel.

La generación de Rudofsky quedó marcada por la experiencia devastadora de los totalitarismos, y por las reacciones ensimismadas de refugio en el ámbito privado. Exactamente su misma edad tenían arquitectos como el nazi Albert Speer o el comunista Juan O’Gorman, autores ambos de una obra militante, pero también otros como el exquisito Carlo Mollino, que dedicó su talento a los clubes de equitación, las estaciones de esquí y los clubes nocturnos, además del erotismo fetichista en el diseño de muebles y la fotografía de voyeur.

Rudofsky supo hallar un camino intermedio, alejado a la vez de los mesianismos regimentados de las utopías políticas y del enclaustramiento en recintos de intimidad o entretenimiento. Su austeridad sensual, que se extendió al diseño de las famosas Bernardo Sandals, combinaba la desnudez escueta de lo vernáculo y lo moderno con una exaltación del confort natural y el hedonismo espontáneo, lindante con la perversión en las cadenitas ocultas que unen rodillas y tobillos dificultando la marcha e incrementando la percepción del cuerpo, una propuesta de juguete sexual que, como subraya su biógrafo Andrea Bocco, antecede la moda sadomasoquista del piercing y las muy similares creaciones contemporáneas de John Galliano.

Para muchos, Rudofsky es únicamente el autor de Arquitectura sin arquitectos, la exposición de fotografías de construcciones autóctonas que tras su inauguración en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1964 viajó a más de 80 ciudades en los 11 años siguientes, vendiendo más de 100.000 ejemplares de su extraordinario catálogo.

Sin embargo, el defensor de la lógica y la belleza de la arquitectura espontánea -que documentó a través d

eye lo descubrió en octubre de 2007

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pasarela impresionante

ingeniero jurg conzett

eye lo descubrió en octubre de 2007

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en barco por doñana!!!!!!!!!!!

Viaje en barco y visita interpretada al Parque Natural de Doñana

Desembocadura del Guadalquivir.

Horarios de salida:
Noviembre a Febrero: 10,00 horas
Marzo, Abril, Mayo y Octubre: 10,00, 16,00 horas
Junio a Septiembre: 10,00, 17,00 horas Horario de atención al público:
Abril a Octubre: de 9,00 h. a 20,00 h.
Noviembre a Marzo: de 9,00 h. a 19,00 h

El visitante que accede al Parque desde Bajo de Guía, en Sanlúcar, tiene la oportunidad de disfrutar de un itinerario a través del cual conocerá aspecto históricos geomorfológico de la arteria fluvial más importante de Andalucía: el Guadalquivir. Posteriormente, podrá desembarcar en dos puntos de Doñana y su entorno, de excepcional interés, como son, el Poblado de la Plancha y las Salinas del Parque Natural de Doñana.
Interior Centro Visitantes "Fábrica de Hielo"
El Centro de Visitantes "Fábrica de Hielo", pertenece al Ministerio de Medio Ambiente, posee dos áreas expositivas, una que alberga información sobre las áreas naturales del Parque Nacional de Doñana y otra que explica la evolución del hombre en este entorno geográfico. Así mismo, el centro ofrece un visión al visitante sobre la importancia de la ciudad en el descubrimiento de América.
También dispone dicho centro de una Tienda-Librería, en la que el visitante podrá adquirir publicaciones exclusivas sobre Doñana y artículos de recuerdo del Parque Nacional.

Visitantes en el parque

Este buque toma su nombre del primer barco a vapor construido en España, que realizaba el servicio regular de pasajeros entre Sevilla, Sanlúcar y Cádiz y que inicio su singladura el 17 de julio de 1817. El itinerario por el río a bordo del Real Fernando, descubrirá al visitante las bellezas paisajísticas del Guadalquivir y su riqueza faunística de aves como la gaviota o la garza real; o de mamíferos como el jabalí , que se acerca a la orilla en busca de alimentos.
Además de ser un buque moderno que dispone de la más avanzada tecnología de navegación, el Real Fernando va equipado con sala de vídeo, sala de exposiciones e interpretación, bar en la cubierta, servicio de megafonía y alquiler de prismáticos.
Sala de exposiciones del buque

eye lo descubrió en octubre de 2007

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una coleccion increible en un edificio impresionante

cita del arquitecto sobre su edificio:

"Utilizo la Metáfora del Arco Iris para explicar la relación especial que se establece entre el objeto -la arquitectura‚ el sujeto- el usuario y el sol. Como sabemos‚ el arco iris es un fenómeno inmaterial que sólo toma forma gracias al sujeto que lo mira‚ bajo una precisa condición de iluminación. Ésta es mi condición favorita para la arquitectura: una arquitectura sensible que varía según el contexto. Dividir la arquitectura en pequeñas partículas‚ como ocurre en el Museo Hiroshige Ando‚ en Batou‚ construido mediante la repetición de delgadas piezas de madera‚ es unas de las estrategias que utilizo para que un edificio no parezca un objeto “fuerte”. A través de la disolución en partículas que se repiten y se agregan creando masas‚ la arquitectura llega a fundirse con su entorno y desde dentro se percibe como parte de él. El concepto básico de la arquitectura japonesa plantea la importancia de la relación entre arquitectura y jardín. El jardín es un elemento que pertenece a la arquitectura y su presencia contemplativa implica una mirada hacia fuera y hacia el suelo‚ hacia un paisaje próximo‚ no distante. El edificio se concibe pues como un interfaz que relaciona lo interno con el entorno. Los edificios se definen espacialmente mediante planos horizontales (suelo y techo) y no mediante la compartimentación vertical de muros y ventanas‚ como ocurre en el mundo occidental. No se interponen diafragmas entre sujeto y objeto: la percepción del espacio es continua y se matizará mediante los recorridos y filtros. En Kyoto se pueden encontrar muchos ejemplos donde la separación entre arquitectura y jardín es casi inexistente. Se consigue esa permeabilidad que permite percibir el cambio de atmósferas. En Japón‚ como en España‚ tenemos unos bellos cambios estacionales‚ y me gustaría que en mi arquitectura se pudieran captar todos estos matices. Recientemente‚ en los últimos años‚ en Japón se ha difundido la práctica de construir con hormigón‚ como se puede comprobar en muchos de los edificios de Tokio. No me gusta ese tipo de arquitectura tan “fuerte”‚ que se cierra a la naturaleza y a todas sus posibles relaciones" entrevista a kengo kuma

eye lo descubrió en octubre de 2007

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jardines de musgo

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Recorrer los senderos del Templo del musgo (Kokedera) durante una tarde de aguacero en junio‚ es uno de los eventos más singulares‚ sobrecogedores y casi místicos que haya experimentado a través de mis andanzas a lo largo de mi vida. No sólo por el hecho de ser un lugar con más de 1200 años de historia o por ser patrimonio de la humanidad‚ no sólo por el singular patrón de diseño paisajista‚ sino además por la forma cómo la naturaleza se incorpora‚ amalgama y complementa al diseño humano para componer un paisaje único‚ un paisaje que estimula todos los sentidos.

UNA HISTORIA DE 1200 AÑOS
Conocido oficialmente como Saiho ji fue fundado por Gyoki durante el periodo Nara (710-794). Y durante el periodo Kamakura‚ en 1339 fue convertido al Budismo Zen por el monje Muso Sozeki (también llamado Muso Kokushi)‚ el mismo que poco después construiría el jardín de Tenryu ji. Muchos investigadores como Günter Nitschke lo consideran el punto de cambio entre los jardines del Periodo Heian (794-1185)‚ con grandes estanques ideales para fiestas en botes y representando el paraíso de la Tierra Pura (como el de Byodo In en Uji y Osawa no ike) y los del periodo Kamakura (1185-1333)‚ en los que los estanques eran más pequeños y eran más usados para la meditación.

DISEÑO
El diseño dual del jardín contempla dos sectores:
- el primero‚ inferior‚ es un estanque con la forma del carácter chino corazón 心. Contiene además tres islas grandes y cuatro pequeñas‚ cuatro penínsulas además de varias piedras a manera de islotes.
- el otro‚ superior‚ es un jardín de rocas‚ y constituye uno de los primeros jardines Zen en el estilo kare sansui‚ literalmente "paisaje marchito" pero que se refiere a la representación de montañas y agua a través de rocas y arena.

Ambos jardines son separados por una puerta llamada kojokan‚ que simboliza una barrera antes de alcanzar la suprema belleza‚ ya que el jardín sin agua es altamente apreciado.

A. Jardín seco superior. B. Jardín del estanque inferior. 1. Cascada de rocas 2. Piedra de meditación Zazen seki. 3. Isla de la tortuga. 4. Piedra Yogo-seki marcada con una cuerda sagrada. 5. Casa de té Shonan 6.Isla del Sol vespertino. 7. Isla del sol matutino. 8 . Estanque dorado. Imagen tomada de Japanese Gardens‚ por Günter Nitschke.
El monte Torigatake es también integrado en el diseño del jardín‚ en una técnica llamada "paisaje prestado" y que luego perfeccionaría en Arashiyama.
Una casa de té al lago del lago es una muestra de la integración de la arquitectura al paisaje y viceversa. Al interior‚ una ventana de papel (shoji) actúa como una pintura viva‚ enmarcando la visual del lago.

EL MUSGO: EL TOQUE DE LA NATURALEZA
Durante 600 años‚ los monjes trabajaron denodadamente para mantener la obra maestra de Muso‚ inclusive durante las guerras Omin‚ que redujeron a Kioto a cenizas en el siglo XV. Sin embargo a mediados del siglo XIX quedaría sólo un monje a su cuidado. Entonces‚ dado el clima lluvioso de Japón‚ la naturaleza reclamó su espacio: los árboles empezaron a crecer por todos lados y el musgo‚ que originalmente no había sido parte del diseño de Muso‚ se apoderó del lugar. De allí tomó su nuevo nombre: Koke dera‚ (Templo del Musgo)

Actualmente existen más de 120 variedades de musgo que cubren el lugar‚ integrándose al jardín como una alfombra de diversos tonos verdosos. La más abundante es una especie llamada sugikoke

Con el trascurrir del tiempo‚ el templo se hizo famoso. En 1977‚ cuando el jardín recibía 8000 visitantes diarios y los turistas estaban destruyendo el precioso musgo‚ las autoridades cerraron el jardín al público. Hoy sólo puede ser visitado con un permiso especial.

Antes de ingresar al jardín se le requiere al visitante participar de una ceremonia especial‚ por supuesto dejando los zapatos afuera del templo. Luego de una serie de oraciones‚ se requiere que cada visitante escriba una serie de caracteres utilizando pincel y tinta‚ conformando una plegaria que será ofrendada luego al Buda. Confieso que escribir 278 caracteres es un buen ejercicio para mejorar la caligrafía kanji a pincel.

En 1994 fue declarado patrimonio de la Humanidad por UNESCO.

fuente:
moleskinearquitectonico.blogspot.com/2007/10/el-templo-del-musgo.html

eye lo descubrió en octubre de 2007

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ir sin falta

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hay que probarlo

¿Eres de esos a los que se les conquista por el estómago? Disfruta de los deliciosos platos de caza y setas elaborados por Gerson Ribal, maestro de los fogones del hotel
La Grava, acompañados con tintos del Montsant o del Priorat. Además, puedes prolongar el festín quedándote a dormir en el hotel con un desayuno degustación incluido. El precio de esta estancia gastronómica es de 240 € (IVA incluido)....

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arte y pasisaje en monumento pionero

El Museo Oteiza y la Sociedad de Ciencias Aranzadi pretenden recuperar y actualizar la memoria del "Monumento al Padre Donosti", que Jorge Oteiza y Luis Vallet realizaron en el monte de Agiña, situado en Lesaka, dentro de la estación megalítica homónima y donde se encuentran diversos elementos prehistóricos como cromlechs, dólmenes y túmulos. Dicho monumento es un conjunto formado por una escultura-estela de Jorge Oteiza y una capilla diseñada por Luis Vallet. El proyecto, que comenzó en 1956 por encargo de la Sociedad de Ciencias Aranzadi, acordaba la construcción de un monumento que consistiera en una pequeña capilla y una sencilla piedra en homenaje a José Zulaica y Arregui (1886-1956), popularmente conocido como Aita Donostia, se ejecutó en 1959. La intervención contiene elementos determinantes de la fase conclusiva de la experimentación escultórica de Oteiza y supone uno de los proyectos pioneros en la intervención artística en el paisaje, propio de disciplinas cercanas al land-art, que se popularizaron en los años sesenta y ochenta.

eye lo descubrió en octubre de 2007

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